Классические альбомы, которым исполнится 50 лет в 2024 году
Пожалуй, ни один вид искусства не переживает столько стилистических изменений и тенденций, как популярная музыка. Ее история насчитывает уже почти столетие, и она запечатлелась в памяти так, как предыдущие поколения и представить себе не могли. В своей основе популярная музыка – это новизна; удивление слушателей в надежде создать вирусные моменты, которые поднимаются в чартах, а затем быстро забываются и заменяются следующим “ароматом месяца”. Во всяком случае, так считалось на заре музыкальной индустрии, когда лейблы были безжалостны в своем стремлении избавляться от артистов, когда музыкальные стили менялись, а музыканты не успевали за ними. Поп-музыка, похоже, по своей природе ориентирована на будущее.
Однако с тех пор как в 1960-х годах альбомы стали доминирующей формой выпуска музыки, слушатели все чаще стали оглядываться назад. Сборники “Best of” заполняют чарты и остаются там годами, а ремастированные, ремикшированные и переосмысленные классические альбомы теперь составляют большую часть бизнес-модели большинства крупных звукозаписывающих лейблов. Однако определение классики в музыке, как известно, не совсем верно: если что-то хорошо продается, это еще не значит, что это классика, а альбом, который, возможно, был проигнорирован после выхода, вполне может стать культовым в будущем.
По своей сути, классика – это любой альбом, который с годами не теряет своей актуальности, и, конечно же, любая запись, которая все еще может поразить слух спустя пять десятилетий после своего выхода, заслуживает особой похвалы. Вот 16 классических альбомов, выпущенных полвека назад, которые продолжают находить свою аудиторию и сегодня.
Джони Митчелл – Court and Spark (17 января 1974 года)
Легенда фолка Джони Митчелл – одна из тех артисток, которых почитают за то, что они редко ошибаются, и, как следствие, у нее за плечами звездная дискография, включающая такие альбомы, как “Blue” (1971) и “For the Roses” (1972). Мистика вокруг этих альбомов, которым уже более 50 лет, с годами только растет, а новые поколения слушателей продолжают знакомиться с творчеством Митчелл и открывать ее как мастера фолка.
Продолжение альбомов “Blue” и “For the Roses” вышло в 1974 году. В том же году Митчелл внесла значительный вклад в свое творчество в виде “Court and Spark”, прогрессивного альбома, который вывел ее за пределы фолк-корней как тематически, так и музыкально. Открывает альбом суровый заглавный трек “Court and Spark”, баллада о чувствах двойственности, когда речь заходит о любви. Темы любви, мимолетных отношений и свободы остаются актуальными на протяжении всего альбома, а Митчелл открывает свою музыкальную палитру для создания запоминающихся хитов с многочисленными джазовыми нотками, предоставленными недавно собранной командой музыкантов поддержки.
Альбом имел ошеломительный успех, попав на 2-е место в чарте Billboard и став дважды платиновым. Альбом остается любимым у поклонников, а песня “Free Man i n Paris” считается одной из лучших песен Митчелла. Но, несмотря на свой классический статус, шедевр Митчелл остается за пределами крупнейшей в мире платформы потокового вещания Spotify. В 2022 году Митчелл удалила свой материал с платформы в знак солидарности с Нилом Янгом, который выступил против добавления “The Joe Rogan Experience” в качестве эксклюзивного подкаста.
Долли Партон – Jolene (4 февраля 1974 года)
За десятилетия, прошедшие с момента расцвета ее карьеры кантри-певицы в 1970-х годах, Долли Партон стала национальным достоянием – настолько, что можно сказать, что в XXI веке ее огромная известность затмила ее музыку. Но для тех, кто знает, талант Партон к написанию песен никогда не вызывал сомнений, о чем свидетельствует ее альбом 1974 года “Jolene”, в который вошли две ее самые великие песни: “Jolene” и “I Will Always Love You”.
Заглавная композиция, в которой рассказчица умоляет заглавную героиню “пожалуйста, не забирай моего мужчину”, на момент выхода была хитом средней руки, но с тех пор стала одной из визитных карточек Партон, несмотря на устаревший взгляд на гендерную динамику. Удивительно, но эта песня принесла Партон две номинации на премию “Грэмми” в категории “Лучшее вокальное исполнение в стиле кантри” в разные годы: 1975 и 1976 годах. Тем не менее, другой хит альбома, зажигательная баллада “I Will Always Love You”, возможно, повлияла на судьбу Партон еще больше, хотя для этого потребовалось несколько лет.
Спустя 18 лет после выхода песни “I Will Always Love You” Уитни Хьюстон исполнила ее для саундтрека к фильму “Телохранитель” в 1992 году и стала одним из самых продаваемых синглов всех времен. За свою версию Хьюстон получила премию “Грэмми” в номинации “Лучшее поп-вокальное исполнение” в 1994 году. Партон утверждает, что песни “Jolene” и “I Will Always Love You” были написаны в один и тот же день, доказывая, что молния может ударить дважды.
Steely Dan – Pretzel Logic (20 февраля 1974 года)
В конце концов Дональд Фэган и Уолтер Беккер, известные как Steely Dan, завоевали немалую популярность благодаря своему безупречному джаз-роковому фьюжн. Хотя их первая пластинка, “Can’t Buy A Thrill”, стала огромным хитом как у слушателей, так и у критиков, благодаря успеху ее главного сингла “Do It Again”, Steely Dan не всегда было легко. Они потратили годы на то, чтобы пробиться в музыкальную индустрию, и после того, как их второй альбом 1973 года “Countdown to Ecstacy” провалился в чартах, их положение снова стало шатким.
Но альбом 1974 года “Pretzel Logic” доказал, что сотрудничество Фэгана и Беккера было вечным. Умение дуэта сочинять убойные песни проявилось в главном сингле альбома, “Rikki, Don’t Lose That Number”, который стал хитом на радио в США и помог “Pretzel Logic” войти в топ-10 Billboard 200. И хотя “Pretzel Logic” не попал в чарты Соединенного Королевства, альбом, тем не менее, стал прорывом Steely Dan на британский рынок, где они впоследствии сохранили верность своим поклонникам.
Rush – Rush (1 марта 1974 года)
Немногие альбомы, заслужившие звание “классических”, продаются таким малым тиражом, как “Rush” в первом издании. Любимая ныне канадская рок-группа Rush в 1974 году была просто еще одной неизвестной рок-группой, “барной группой из города” Торонто, как выразился гитарист Алекс Лайфсон в книге Мартина Попоффа “Contents Under Pressure: 30 Years of Rush at Home and Away”.
Образовавшись в 1968 году, когда ее участники еще учились в средней школе, Rush завоевали популярность в своем родном городе. Но несмотря на то, что они были популярными концертными исполнителями, чей хард-рок, вдохновленный Led Zeppelin, безусловно, нравился канадской публике, ни один звукозаписывающий лейбл не был заинтересован в заключении контракта на запись. В ответ на это группа основала свой собственный лейбл Moon Records, записала и выпустила свой дебютный альбом на скудные средства.
По словам Попоффа, “Rush” – это странность в дискографии Rush, которую больше отличает амбициозный прогрессивный рок в духе таких групп, как Jethro Tull. Тем не менее, такие композиции, как закрывающая альбом “Working Man”, долгое время оставались неотъемлемой частью концертных выступлений Rush даже после того, как они изменили свое звуковое направление. Кроме того, эта песня стала самым популярным треком альбома на радио. Ее успех привел к тому, что группа переиздала альбом на американском лейбле Mercury Records, который впоследствии подписал с ней выгодный контракт, который привел ее к большому успеху.
Фрэнк Заппа – Apostrophe (‘) (22 марта 1974 года)
Будучи лидером экспериментальной арт-рок-группы Mothers of Invention, Фрэнк Заппа с середины 60-х годов сходил с ума по слушателям. Но хотя он пользовался заслуженным уважением критиков и поклонников за свои невероятные гитарные способности, талант аранжировщика и уникальное чувство озорного юмора, ему еще предстояло сделать настоящий коммерческий успех, который мог бы продвинуть его в мейнстрим.
Это наконец произошло в 1974 году с выходом “Apostrophe (‘)”, тонкой 30-минутной пластинки, которая, тем не менее, продемонстрировала все, на что способен Заппа. Пластинка открывается сюитой из четырех песен, включающей “Don’t Eat the Yellow Snow”, историю об эскимосе с припевом “Watch out of where the huskies go / And don’t you eat that yellow snow”. Несмотря на инфантильные гэги, альбом попал в топ-10 Billboard 200 и в итоге был сертифицирован как золотой.
Альбом “Apostrophe (‘)” также был отмечен за сатиру, а социальные темы стали более заметными к концу альба. В частности, песня “Uncle Remus”, в которой речь идет о замедлении движения за гражданские права в 1970-х годах, показывает Заппу в его наиболее социально осведомленном состоянии. Хотя в то время некоторые поклонники критиковали Заппу за продажность, “Apostrophe (‘)” до сих пор остается одной из его классических песен.
Earth, Wind & Fire – Open Our Eyes (25 марта 1974 года)
Earth, Wind & Fire были на подъеме в начале 1970-х годов, достигнув пика в 1975 году с двумя альбомами №1: “That’s the Way of the World” и “Gratitude”. Сегодня их звучание мгновенно узнаваемо, но тогда их музыкальная идентичность еще только формировалась благодаря таким релизам, как “Open Our Eyes” 1974 года, безупречный альбом, на котором было три сингла, вошедших в чарты Hot 100. Звучание таких хитов, как “Mighty Mighty” и “Kalimba Story”, показало, что Earth, Wind & Fire были по-настоящему дальновидной группой, готовой исследовать модный фанк и соединить его с предыдущим влиянием соул и R&B, чтобы создать нечто действительно вневременное.
Альбом “Open Our Eyes” получил признание критиков, а поклонники обычно причисляют его к лучшим работам группы. Музыкальный журналист и эссеист Роберт Кристгау, который несколько критиковал некоторые предыдущие альбомы Earth, Wind & Fire за их склонность к самолюбованию во второй половине, был очарован “Open Our Eyes”, назвав его “f****** tour de force”. Хотя “Open Our Eyes” не стал таким же успешным в чартах, как их альбомы №1, вышедшие в следующем году, – он остановился на приличном 15-м месте, – тем не менее, он остался для поклонников ориентиром. Это была первая пластинка Earth, Wind & Fire, ставшая золотой, и в 1986 году она была сертифицирована RIAA как платиновая.
Lynyrd Skynyrd – Second Helping (15 апреля 1974 года)
Второй альбом южных рокеров Lynyrd Skynyrd “Second Helping” закрепил то непритязательное звучание, которое они представили на своем дебютном альбоме 1973 года “(Pronounced ‘Lĕh-‘nérd ‘Skin-‘nérd)”. Продюсером обоих альбомов выступил бывший музыкант Боба Дилана Эл Купер, но на “Second Helping” его работа была чуть более отшлифована, поэтому многие песни с этого альбома, несмотря на прошедшее время, так и остались популярными на радио. Такие треки, как “Workin’ for MCA”, демонстрируют хард-роковые достоинства Lynyrd Skynyrd, в то время как другие, например “The Needle and Spoon”, раскрывают их затрагивающую, социально значимую сторону. Но, конечно же, выделяется открывающая альбом композиция “Sweet Home Alabama”, которая вошла в топ-10 чарта синглов и осталась гимном родного штата группы.
Как ясно из текста, “Sweet Home Alabama” – это опровержение песни Нила Янга “Southern Man”, которую главный автор песен Ронни Ван Зант счел несправедливой карикатурой на южную идентичность. Позже Янг признал, что его песня была “снисходительной”. Хотя песня “Sweet Home Alabama” подвергалась критике на протяжении многих лет, она остается очень популярной.
Всего три года спустя группу разорвет на части авиакатастрофа, в которой погибнут три участника Lynard Skynard, включая Ван Занта. Однако такие альбомы, как “Second Helping”, свидетельствуют о невероятной алхимии, которую группа создала всего за несколько коротких лет.
Дэвид Боуи – Diamond Dogs (24 мая 1974 года)
Для многих фанатов Дэвид Боуи стал артистом, чья карьера длилась почти десятилетие, начиная со студийного альбома “Hunky Dory” в 1971 году и заканчивая выпуском “Scary Monsters” в 1980 году. Оглядываясь назад, можно сказать, что серия альбомов, выпущенных Боуи в 1970-х годах, кажется такой же неприкосновенной, как и дискография, созданная “Битлз” десятилетием ранее, – нетронутое собрание работ, созданное в то время, когда артист не мог ошибиться.
Однако в ретроспективе, в то время, когда Боуи считается гением поп-музыки, такое мнение не вызывает сомнений. В то время, однако, все выглядело совсем иначе, особенно когда речь зашла о его работе 1974 года “Diamond Dogs”. История альбома раскрывает его сложный генезис. Только что расправившись со своим культовым персонажем Зигги Стардастом, Боуи в то время искал новое творческое направление. Он начал формулировать идею мюзикла по антиутопическому роману Джорджа Оруэлла “Девятнадцать восемьдесят четыре”, но не смог получить права от наследства писателя. Поэтому Боуи был вынужден создать собственную антиутопию: апокалиптический мегаполис, в котором доминируют гибриды человека и собаки.
В момент выхода альбом “Diamond Dogs” был принят довольно вяло, но по прошествии десятилетий его стали называть важной переходной пластинкой в творчестве Боуи, продемонстрировавшей умение перевоплощаться, которое станет визитной карточкой Боуи. Между тем, хитовый сингл “Rebel, Rebel” доказал, что он может продолжать выпускать хиты, даже если он копает глубоко в концептуальном плане.
Элтон Джон – Caribou (24 июня 1974 года)
В то время как Дэвид Боуи, возможно, боролся за постоянство среди множества смен альбомов 1970-х годов, был еще один британский рокер, для которого постоянство казалось естественным: Элтон Джон. Начиная с альбома 1972 года “Honky Chateau” и заканчивая альбомом 1975 года “Rock of the Westies”, энергичный фортепианный музыкант семь раз подряд занимал первое место в Billboard 200, став при этом одним из самых продаваемых артистов десятилетия.
Одним из них стал альбом 1974 года “Caribou”, который, как и “Honky Chateau”, получил свое название от студии звукозаписи “Caribou Ranch” в округе Боулдер, штат Колорадо, куда Джон и его команда удалились, чтобы создать продолжение платинового альбома 1973 года “Goodbye Yellow Brick Road”. Перед тем как в феврале того же года Джон и его группа отправились в турне по Японии, на Джона оказывалось давление, но “Caribou”, похоже, был создан без особых усилий, демонстрируя (как и его лучшие работы) его безупречное сотрудничество с лириком Берни Таупином.
Главный сингл альбома, “Don’t Let The Sun Go Down On Me”, включает вокал Карла Уилсона и Брюса Джонстона из Beach Boys, а также Тони Теннилл. Песня стала большим хитом и впоследствии постоянно присутствовала на концертах Джона, как и ее продолжение, “The B**** is Back”. Когда альбом снова занял первое место, Джон подписал самый выгодный контракт в истории поп-музыки с MCA Records.
Bob Dylan & The Band – Before the Flood (20 июня 1974 года)
К середине 1970-х годов Боб Дилан оказался бывшим любимцем критиков с подмоченной репутацией. Его двойной альбом 1970 года “Self Portrait” разделил мнение как критиков, так и поклонников, в сердцах которых по-прежнему было особое место для его ранних классических песен, таких как “Blowin’ In The Wind” и “Like a Rolling Stone”. Стремясь восстановить связь со своей аудиторией и сохранить при этом столь важную для него творческую свободу, Дилан обратился к давним соратникам The Band, которые в начале 1970-х годов также испытывали творческие проблемы.
Два музыканта отправились в долгожданный концертный тур, ярким артефактом которого стал альбом 1974 года “Before the Flood”. Состоящий в основном из классических песен Дилана, но также включающий композиции группы The Band, альбом является свидетельством растущей склонности будущего нобелевского лауреата к трансформации своих классических песен и приданию им новых форм. По сути, такие изменения могут быть необходимы Дилану для того, чтобы не устать от собственных песен. Тем не менее, альбом оставляет приятное впечатление, ведь многие классические песни, такие как элегантная “Lay Lady Lay”, исполняются в галопирующем темпе, который передает волнение живого выступления.
Турне имело большой успех, как и альбом “Before the Flood”, как в критическом, так и в коммерческом плане, заняв высокие места в альбомных чартах. Двойной альбом в значительной степени способствовал восстановлению репутации обоих артистов. Дилан вновь предстал как артист с уникальным талантом, вызвав войну между звукозаписывающими лейблами и заложив основу для будущих классических альбомов, включая “The Basement Tapes” и “Desire”, которые будут выпущены с большим успехом в последующие годы.
Стиви Уандер – Fulfillingness’ First Finale (22 июля 1974 года)
В 1972 году мультиталантливый Стиви Уандер, ставший известным десятилетием ранее как ребенок-вундеркинд, сделал решительный шаг, отстранив Motown Records от роли мерчендайзера и взяв на себя полный творческий контроль над своей карьерой. Это решение привело его к самому значимому периоду в творческой карьере, когда он возглавил чарты, выпустив один за другим альбомы, удостоенные премии “Грэмми”.
Первый из них, альбом 1974 года “Fulfillingness’ First Finale”, который провел в общей сложности 65 недель в Billboard 200, продемонстрировал невероятный диапазон Уандера. Он включал в себя веселые и зажигательные джемы, такие как “Boogie on Reggae Woman”, соседствующие с рефлексивными балладами о Боге и духовности, такими как любимая поклонниками “Heaven is 10 Zillion Light Years Away”. И в очередной раз альбом подтвердил навыки Уандера как мультиинструменталиста: музыкант играет практически на всех инструментах альбома.
А в тех частях, где Уандер не играет, он делает акцент на выступлениях гостей, например, легендарного басиста Джеймса Джеймерсона, который сыграл на акустическом басу в песне “Too Shy to Say”. Главный сингл “You Haven’t Done Nothin'” стал хитом № 1, и в нем прозвучал бэк-вокал участников группы Jackson 5. Среди других исполнителей на “Fulfillingness’ First Finale” – Пол Анка и Минни Риппертон. Все они дали звездные концерты на альбоме, который оказался самой значимой работой Уандера на сегодняшний день. Его компаньон, альбом 1976 года “Songs in the Key of Life”, возможно, пошел еще дальше, но именно здесь бывший вундеркинд впервые превратился в одного из настоящих великих музыкантов эпохи.
Эл Грин – Al Green Explores Your Mind (2 октября 1974 года)
Еще одним легендарным соул-исполнителем, претендовавшим на величие в середине 1970-х, был Эл Грин, чей альбом 1972 года “Let’s Stay Together” стал огромным коммерческим прорывом для певца с медовым голосом. На этом альбоме Грин показал, что умеет окружать себя отличными помощниками – его сотрудничество с сопродюсером Вилли Митчеллом, по общему мнению, вывело авторство песен Грина на новый уровень – и он продолжил демонстрировать свои качества в 1974 году.
На “Al Green Explores Your Mind” Грин исполняет одни из своих самых приятных и эмоционально выразительных вокальных партий, а Митчелл, владеющий стилем производства, известным как “Memphis Sound”, придает певцу характерный фон, характеризующийся звездным инструментарием. Главный сингл альбома, “Sha-La-La (Make Me Happy)”, вошел в топ-10 и показал, что Грин остается хитмейкером (хотя он не повторял этот подвиг до тех пор, пока его дуэт с Энни Леннокс из Eurythmics, “Put a Little Love in Your Heart”, не достиг 9-го места в 1988 году). Однако “Al Green Explores Your Mind” также включает в себя несколько любимых поклонниками песен, которые не были выпущены в качестве синглов, в том числе “Take Me To The River”, которая, по мнению Роберта Кристгау, входит в число лучших работ Грина.
Van Morrison – Veedon Fleece (5 октября 1974 года)
Сольный дебют Ван Моррисона, альбом 1968 года “Astral Weeks”, привел в замешательство его поклонников во время его выхода, представляя собой серьезный и несколько экспериментальный отход от драйвового гаражного рока, вдохновленного блюзом, который он довел до совершенства ранее в 1960-х годах со своей группой Them. Тем не менее, альбом получил признание критиков и заложил основу для сольной карьеры, в которой Моррисон оставался любимцем критиков, даже если в последующие годы он беспокойно искал вдохновения.
Как отмечает Джейсон Анкени из AllMusic, “Astral Weeks” 1968 года также ознаменовал начало периода плодотворного сочинительства и звукозаписи для Вана Моррисона, который привел к некоторым из величайших критических и коммерческих достижений ирландского певца-песенника, таким как “Moondance” 1970 года, который остается одной из самых известных и широко исполняемых работ Моррисона. Этот творческий период Моррисона (с 1968 по 1974 год) закончится выпуском альбома “Veedon Fleece” в 1974 году, который в то время был раскритикован многочисленными критиками, считавшими его неудачным.
В то время Моррисон переживал развод с певицей Джанет Плэнет, и результатом стал “Veedon Fleece”, набор песен, в которых горький опыт уравновешивается искупительным сожалением. Песни альбома чередуются от возвышенно-нежных, таких как “Come Here My Love”, до эпических, таких как “You Don’t Pull No Punches, But You Don’t Push the River”. И хотя “Veedon Fleece” стал сравнительной коммерческой неудачей, его песни остались любимыми среди поклонников Моррисона, а альбом в целом, как сообщается, нашел свою аудиторию среди величайших авторов песен последних десятилетий, включая Леонарда Коэна, Шинейд О’Коннор и Джеффа Бакли.
Kiss – Hotter Than Hell (22 октября 1974 года)
Нью-йоркские шок-рокеры Kiss Джина Симмонса уже так давно стали музыкальным институтом, что трудно представить, что когда-то группа испытывала трудности. Их дебютный альбом с собственным названием, вышедший в феврале 1974 года, стал коммерческим разочарованием, он не смог передать энергию и динамизм начинающей группы, известной своими зажигательными живыми выступлениями. К тому времени, когда летом пришло время записывать еще один альбом, казалось, что Kiss уже рискуют выдохнуться, а их лейбл Casablanca Records столкнулся с кризисом денежного обращения.
К сожалению, октябрьский “Hotter Than Hell” не стал тем самым спасением, которое искали группа и лейбл, но в долгосрочной перспективе он стал одним из самых важных альбомов в карьере Kiss. Хотя поначалу он занял более низкое место в чартах, чем их дебют, песни с “Hotter Than Hell”, такие как любимые в концертах “Got to Choose” и “Parasite”, вошли в материал концертного альбома 1975 года “Alive!”, который был назван моментом, когда Kiss совершили коммерческий прорыв и обеспечили себе долголетие. Поэтому “Hotter Than Hell” и по сей день остается любимой песней фанатов, классикой, которая задала шаблон для последующих альбомов Kiss.
Queen – Sheer Heart Attack (8 ноября 1974 года)
Сегодня большинство случайных слушателей рок-музыки помнят Queen не как группу, выпускавшую классические альбомы, – вместо этого они известны своей дискографией мгновенно узнаваемых хитов, таких как “We Are The Champions”, “Another One Bites The Dust”, “We Will Rock You” и, конечно, “Bohemian Rhapsody”.
Однако все это было позже: В 1974 году британские рокеры еще не успели заявить о себе слушателям по обе стороны Атлантики, и группа яростно работала над созданием своего собственного звучания. В том году они выпустили два студийных альбома. На первом, “Queen II”, группа исследовала фантастические лирические темы в таких треках, как “Ogre Battle” и “Nevermore”, избегая прогрессивных буколических диверсий в пользу создания прочного хард-рокового фундамента.
Но именно третий альбом группы, “Sheer Heart Attack”, вывел их на новый уровень. Выпущенный всего через несколько месяцев после “Queen II”, их второй альбом 1974 года включал такие композиции, как огромный хит “Killer Queen”, самый продаваемый сингл на тот момент, который занял высокие места в чартах США и Великобритании. В “Killer Queen” был использован высокий лагерный тон, ставший визитной карточкой Queen. Хотя в таких песнях, как “Stone Cold Crazy”, группа, кажется, усиливает свою тяжесть, очевидно, что к этому моменту Фредди Меркьюри и Брайан Мэй превратились в звездных авторов крючков, что сделало альбом более запоминающимся, чем все, что они выпускали ранее.
Genesis – The Lamb Lies Down on Broadway (18 ноября 1974 года)
Начало 1970-х годов стало пиком прогрессивного рока – виртуозной, исследовательской музыки, которая оказалась на обочине в результате панковского взрыва второй половины десятилетия. Многое из того, что было популярно среди поклонников прога того периода, впоследствии было списано критиками, которые сегодня часто считают этот жанр раздутым и самовнушающим. Однако есть альбомы, которые определенно стоит сохранить, и альбом Genesis “The Lamb Lies Down on Broadway” 1974 года – один из них.
Хотя покупатели пластинок привыкли к идее концептуальных альбомов еще со времен выхода “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” Битлз в 1967 году, мало кто мог встретить записи с таким чувством тематического единства, как этот шедевр Genesis. “The Lamb Lies Down on Broadway” – это рок-опера, занимающая два LP и повествующая о приехавшем в Нью-Йорк барыге по имени Раэль, который был создан театральным фронтменом группы Питером Гэбриэлом.
На фоне напыщенного, изобретательного и откровенно странного инструментария рассказ Гэбриэла разворачивается фрагментарно, через эпизодические песни с названиями вроде “Here Comes The Supernatural Anaesthetist”. Но даже при повторном прослушивании события, о которых идет речь, остаются окутанными тайной, настолько, что The New Yorker назвал альбом “Улиссом концептуальных альбомов”, и он остается одним из самых горячо обсуждаемых шедевров жанра.
